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domingo, dezembro 10, 2023

O que o áudio espacial pode ou não fazer pela música clássica

Leitura obrigatória

Desenvolvimentos recentes em áudio espacial – álbuns antigos e novos mixados para formatos imersivos – foram notícia no mundo da música pop.

Dado o processo de produção correto (no estúdio) e a configuração técnica (em casa), os fones de ouvido não precisam mais parecer tão estaticamente pressionados contra cada orelha; em vez disso, eles podem parecer aparecer em volta da sua cabeça ou acenar na nuca.

Ou apenas respire novamente. Você está se concentrando em um sotaque de guitarra deslizante no mix Dolby Atmos de Taylor Swift. “Meu (versão de Taylor)” ou apreciando os detalhes serrilhados da filigrana de arranjos de latão no vintage Frank Zappa “Grande Veloz,” a ideia é trazer aos seus ouvidos a sensação tridimensional e preenchida de grandes conjuntos de alto-falantes.

Mas a música clássica já existia há décadas. A Deutsche Grammophon e a gravadora Philips experimentaram “Quadraphonic” – ou lançamentos de quatro canais – Na década de 1970. Mais recentemente, gravações e mixagens binaurais, projetadas para simular aquela sensação 3D, têm sido uma delícia. Agora, no entanto, estas e outras práticas de produção espacial estão a beneficiar de investimentos corporativos mais profundos, incluindo a tecnologia de localização de cabeças como uma característica dos mais recentes auscultadores Beats da Apple. (Quando você move a cabeça enquanto os usa – com a opção de rastreamento ativada – os pontos sonoros parecem permanecer fixos em seu campo de 360 ​​graus, mesmo se você se virar.)

O head-tracking parecia inútil para mim – até mesmo divertido – até que tentei com a nova gravação de arquivo “Evenings at the Village Gate”, com John Coltrane e Eric Dolphy.

Ouvir o clarinete baixo de Dolphy na frente do meu rosto – de uma forma que permaneceu firme, mesmo enquanto eu balançava a cabeça de espanto com sua forma de tocar – me permitiu a sensação fugaz de que estava compartilhando espaço com a lenda. Um truque bacana, embora não mais importante do que Dolphy ou Coltrane jogando em seus próprios termos.

Na época em que esta gravação foi feita, os compositores clássicos estavam trazendo conceitos espaçados para sua prática criativa. Mesmo antes de a tecnologia relativamente moderada de som estéreo de dois canais ser padrão em todas as casas, Karlheinz Stockhausen e outros usavam mixagens mais complexas para trabalhos envolvendo eletrônica ou elementos gravados.

Há uma razão pela qual Stockhausen é um dos mérito cultural na capa dos Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”: Obras do compositor, como “Gesang der Jünglinge”, de 1956, utilizavam mixagens de cinco alto-falantes (incluindo um no teto). Isso causou uma impressão duradoura em Paul McCartney, que certa vez descreveu “Gesang” como seu favorito Peça “plick-plop” de Stockhausen.

Agora, cantos mais tradicionais do mundo da música clássica também estão entrando no áudio espacial.

Os principais maestros do mundo orquestral – incluindo Riccardo Muti e Esa-Pekka Salonen – aprovaram pessoalmente mixagens de áudio espacial de suas gravações recentes, que foram lançadas no Apple Music e em seu aplicativo independente de streaming de música clássica. E, como acontece com outros gêneros, a Apple colecionou playlists de remixes espaçados.

Enquanto isso, os músicos regulares do grupo imersivo da música clássica continuaram a cuidar de seus negócios: membros do SWR Experimentalstudio vieram ao Time Spans Festival em Nova York este mês, trazendo consigo obras de som surround do modernista italiano Luigi Nono. E o compositor e saxofonista americano Anthony Braxton trouxe um novo conceito de som surround, “Thunder Music”, para o Curso de Verão de Darmstadt, na Alemanha.

Essas apresentações ao vivo foram terríveis. É uma história diferente com as gravações: depois de ouvir recentemente várias mixagens Dolby Atmos, senti que a lista mais geral de ofertas espaciais de música clássica continua sendo um trabalho em andamento.

Em algum lugar no meio estava o Sonic Sphere, uma realização do conceito de som espacial de Stockhausen, no Shed em Nova York neste verão. Seu arranjo de 124 alto-falantes cercava aproximadamente 200 ouvintes por vez. No início de julho, ouvi um novo mix de “Music for 18 Musicians” de Steve Reich, que sofria de frequências graves turvas. Isso, infelizmente, também roubou da obra sua graça cinzelada e minimalista; em vez de seguir as linhas do clarinete baixo, você apenas adivinhou que elas estavam lá. Uma sensação de drama foi estragada.

Da mesma forma, algumas seleções que você pode encontrar nas listas de reprodução “Classical in Spatial Audio” do Apple Music parecem mal escolhidas para o formato. Gravar um trabalho solo profundo como “The Well-Tempered Clavier” de Bach não exige exatamente tratamento espacial. Mas quando consegue – como em uma gravação agradável de Fazil Say – soa como se tivesse seus níveis de reverberação atrelados aos céus. É mais divertido do que mover. Essas mixagens estranhas também são uma má propaganda do que o Dolby Atmos pode oferecer quando aplicado ao repertório certo.

Para contrastar, veja a obra de abertura do álbum recente da Orquestra Sinfônica de Chicago, “Contemporary American Composers”, e “Hymn for All”, de Jessie Montgomery. Essa faixa é muito convidativa em sua mixagem estéreo regular; mesmo que seu tema de abertura cantável seja passado entre as seções, assumindo novas cores tímbricas, ele nunca perde seu sincero senso de convite. No mix Dolby Atmos do Apple Music, esse efeito envolvente é aprofundado. Os espaços entre cordas, metais e percussão são mais amplos. Uma linha de pizzicato misturada centralmente assume um papel de ponte ainda mais dramático.

O engenheiro de som da orquestra, Charlie Post, disse numa entrevista que “a música contemporânea parece se adequar particularmente bem a isso”. E ele contou como, desde que ingressou na Orquestra Sinfônica de Chicago em 2014, ele tem “preparado as sessões para o futuro”, gravando com mais microfones do que o estritamente necessário para fins de transmissão ou arquivamento. Agora, quando um formato como Dolby Atmos entra em ação, o conjunto é preparado com um programa robusto de captura de áudio – pense nele como dados orquestrais altamente detalhados – de cada apresentação.

Depois de trabalhar com o produtor David Frost e o especialista em mixagem espacial Silas Brown, Post é então obrigado a receber a assinatura de Riccardo Muti, o diretor musical da Orquestra Sinfônica de Chicago. Post lembrou que quando o maestro, usando fones de ouvido Sennheiser, ouviu uma versão binaural do álbum “Italian Masterpieces” de 2018, ele ficou impressionado – e deu à equipe de áudio espacial do conjunto sua bênção para fazer mais nesta esfera.

“Ele achou que era mais amplo e agradável para ele”, disse Post. “Então foi um grande elogio receber.”

Na Orquestra Sinfônica de São Francisco, Salonen tem sido igualmente entusiasmado – e ainda mais prático – com os engenheiros enquanto planeja as próximas apresentações e lançamentos.

“Temos uma equipe muito, muito boa, então eles não precisam de nenhum tipo de cuidado maternal”, disse ele em entrevista por vídeo. “Mas estou fascinado pelo processo em si, porque é um novo tipo de mixagem. Quando você posiciona objetos sonoros em um espaço 360º, torna-se um jogo de computador super divertido – muito divertido. E há alguns ganhos artísticos musicais que não são enigmáticos. Não precisa ser tecnologia pela tecnologia; pode ser um propósito expressivo.”

Isso fica claro nas recentes gravações de música de Gyorgy Ligeti, feitas por Salonen em São Francisco, várias das quais agora existem como singles habilitados para Dolby Atmos. (Uma versão de “Lux Aeterna” de Ligeti, que Stanley Kubrick usou em “2001: Uma Odisséia no Espaço”, também está disponível no YouTube em uma versão binaural com áudio otimizado.)

Em “Ramifications” de Ligeti – uma peça que requer diferentes grupos orquestrais para tocar em afinações microtonais – a mixagem Dolby Atmos traz à tona as estranhas diferenças. Acordes miseráveis ​​e ramificados são mais fáceis de localizar e apreciar, espalhados por um amplo palco sonoro; o clímax da conversa tem uma força renovada.

Salonen, que tem se interessado em misturar tecnologia com a orquestra tradicional, tanto como maestro quanto como compositor, tem pensado em quais gravações Dolby Atmos gostaria de ver. Pensando em Gesang der Jünglinge, de Stockhausen, ele disse: “Eu compraria isso!”

Por e-mail, Kathinka Pasveer, companheira e colaboradora de longa data de Stockhausen, disse que não havia planos de remixar o catálogo da Stockhausen Verlag. O mercado, acrescentou ela, atualmente é muito pequeno.

A participação de mercado da Apple poderia mudar isso. Mas hoje em dia existem outros distribuidores de composições sonoras espaciais de vanguarda.

O álbum recente da compositora Natasha Barrett, “Leap Seconds” – talvez o trabalho de áudio espacial mais vibrante que encontrei na última década – vem com uma mixagem binaural apenas para fones de ouvido quando comprado. do selo Sargasso. E a gravadora britânica Toda essa poeira lançou mixagens binaurais de álbuns em sua página do Bandcamp.

Este ano, a melhor compra de áudio espacial que fiz foi Baixar Toda essa poeira de “Kontakte” de Stockhausen para piano, percussão e sons eletrônicos. Isso pode não ser tão interessante quanto a mais recente tecnologia de ruído, mas também não é tão caro.

Na semana em que visitei o Shed, os ingressos para o show do Reich custavam a partir de US$ 46, para um show que equivalia a uma sessão de reprodução de uma hora. Mas meu registro de “Contato” foi uma espécie de conserto: apenas 5 libras (US$ 6,37). Com essa edição dual-aural e outras semelhantes, você não precisa ser empurrado para os equipamentos da Apple. Qualquer pessoa com fones de ouvido sólidos – como a linha Muti da Sennheiser usada em Chicago – pode experimentar essa magia.

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